Nous avons eu le plaisir de rencontrer Joris Corthout, CEO de Prismax, un studio créatif belge dont le chapitre le plus passionnant reste encore à écrire.
Qu’est-ce qui constitue l’ADN de Prismax et comment se reflète-t-il dans votre travail ?
Le savoir-faire et l’invention — c’est la réponse la plus courte que je puisse donner.
Prismax a été fondé en 2005, la même année que Tomorrowland, et nous avons grandi côte à côte : du simple mixage de visuels dans une cabine à la conception de mondes entiers. Aujourd’hui, nous sommes une équipe d’environ trente-cinq personnes, dont environ la moitié sont des artistes et l’autre moitié des ingénieurs. Cet équilibre constitue notre ADN. Nous ne remettons pas une belle image à une équipe technique en espérant qu’elle survivra au passage à la production : les personnes qui l’imaginent et celles qui la font fonctionner en 16K travaillent dans la même pièce.
Le deuxième élément essentiel est que nous commençons toujours par l’histoire, jamais par la technologie. La première question que nous nous posons sur un projet n’est pas « quel écran allons-nous utiliser ? », mais « que doit ressentir le public à la quarantième minute ? ». La technologie n’est là que pour préserver cette sensation. Et parce que notre domaine est très spécifique, l’outil dont nous avons besoin n’existe souvent pas encore — nous le développons donc nous-mêmes. C’est pourquoi chaque production doit faire progresser d’un cran à la fois l’art et la technologie.
À quoi ressemble une journée type dans la vie d’un VJ chez Prismax ?
Honnêtement, il n’existe pas vraiment de journée type — et c’est précisément pour cela que les gens font ce métier.
Une journée au studio est calme et précise : création d’environnements dans Unreal Engine, adaptation de ceux-ci à la géométrie exacte d’une scène physique, au centimètre près, puis prévisualisation du résultat en VR afin de pouvoir littéralement se tenir à l’intérieur du spectacle avant même qu’il n’existe. Ensuite vient la programmation du timecode, du DMX, de l’OSC et du MIDI, pour que la vidéo, la lumière, les lasers et la pyrotechnie respirent comme un seul et même élément.
Un jour de spectacle, c’est tout l’inverse. Installation, calibration, répétitions avec les équipes lumière et laser — puis ces heures durant lesquelles vous ne lancez pas simplement un fichier : vous performez. Nos univers sont calculés en temps réel, ce qui signifie qu’un VJ façonne l’intensité, les couleurs, la caméra et le rythme sur le moment, en lisant l’artiste et le public comme un musicien ressent l’atmosphère d’une salle.
L’exemple le plus parlant que je puisse donner : lors de Tomorrowland cet été, la sécheresse a entraîné l’interdiction de toute pyrotechnie pendant le premier week-end. Nos VJ ont donc fait apparaître des feux d’artifice numériques sur les écrans. Même soirée, nouvel instrument.
D’où vient votre inspiration pour créer des univers aussi déjantés et surréalistes ?
Tout commence par la musique, toujours. Un morceau possède une forme — tension, relâchement, silence — et si vous l’écoutez vraiment, il vous indique à quoi le monde devrait ressembler avant même que vous n’ayez dessiné quoi que ce soit.
Ensuite, honnêtement, tout peut devenir une source d’inspiration : la nature et les documentaires sur les grands fonds marins, l’architecture brutaliste, la science-fiction, l’art vidéoludique, la peinture classique, la manière dont la lumière se comporte dans le brouillard. Au studio, chacun collectionne les choses qui l’ont poussé à s’arrêter de faire défiler son écran, et ces références entrent en collision de manière totalement imprévisible.
La source d’inspiration la plus sous-estimée reste toutefois la contrainte. Une scène possède une forme. The Sphere est un dôme à 180°. Le mur d’un yacht fait quatre mètres de large. Ces limites ne sont pas l’ennemi de l’imagination — elles sont précisément ce qui permet à une idée de devenir spécifique plutôt que générique.
Et puis il y a l’équipe. Trente-cinq personnes issues d’horizons très différents, qui tirent dans la même direction, finiront toujours par aboutir à quelque chose de plus étrange et de meilleur qu’une seule personne avec un moodboard.
Les visuels que vous créez sont véritablement impressionnants. Quelles sont les étapes clés pour atteindre un tel niveau de qualité ?
Cinq choses, dans cet ordre.
L’histoire d’abord. Nous refusons d’ouvrir les logiciels trop tôt. Un brief arrive généralement sous la forme d’une sensation — émerveillement, chagrin, euphorie — et nous la traduisons en univers, en langages chromatiques et en rythmes avant même de modéliser le moindre élément.
Une direction artistique affirmée. Un seul langage visuel par spectacle, décliné à travers chaque scène, afin que la soirée soit perçue comme une œuvre cohérente et non comme une simple playlist.
Le temps réel. Avant, si un réalisateur voulait éclaircir la forêt, nous devions lancer un rendu de quarante-huit heures. Aujourd’hui, nous modifions un paramètre et regardons immédiatement le résultat ensemble. Ce simple changement fait progresser la qualité : nous pouvons effectuer des centaines d’itérations au lieu de trois.
La prévisualisation en VR à l’échelle 1:1, afin que les erreurs soient détectées en se tenant à l’intérieur du spectacle, et non le soir de son ouverture.
Et enfin, les répétitions — une quantité énorme de répétitions. Les dix derniers pour cent de qualité se trouvent toujours en exécutant le spectacle encore et encore, jusqu’à ce qu’il donne l’impression d’être évident.
Nous avons vu votre collaboration avec Insomniac pour le concept UNITY, qui a donné vie à un spectacle visuel et musical extraordinaire. Quels sont, selon vous, les ingrédients clés d’une collaboration réussie ?
UNITY a commencé par un coup de téléphone. Tomorrowland et Insomniac réfléchissaient tous deux à The Sphere et, plutôt que de se faire concurrence, ils ont décidé de construire quelque chose ensemble. Cet état d’esprit a donné le ton à tout ce qui a suivi.
Pour moi, il y a trois ingrédients.
Premièrement, un langage créatif commun défini suffisamment tôt. Nous avons pris le temps de déterminer ce que la soirée devait faire ressentir avant que quiconque ne commence à discuter de pixels.
Deuxièmement, le respect de ce que chaque partie fait de mieux. Insomniac a apporté Beyond Wonderland, Escape et EDC ; Tomorrowland a apporté Orbyz, Planaxis et Adscendo ; et nous avons apporté notre capacité à faire vivre l’ensemble en temps réel dans une même salle.
Troisièmement, la confiance sous pression. Une équipe de trente personnes, cent soixante-cinq minutes de spectacle, une résolution de 16K × 16K et plus d’un pétaoctet de données : tout cela n’est possible que lorsque personne ne cherche à protéger son ego.
Et les meilleurs partenaires vous poussent à aller plus loin. Personne ne pousse notre technologie aussi loin que Tomorrowland et, honnêtement, c’est un cadeau.
Vous proposez des expériences visuelles dans le métavers et utilisez également Unreal Engine. Pouvez-vous nous en dire davantage ?
Tout a commencé presque par accident, pendant le Covid. Les événements live ont disparu du jour au lendemain et Ruben — mon associé et notre CTO — s’est retrouvé à expérimenter avec Unreal Engine. À un moment donné, nous avons réalisé que ce avec quoi nous étions en train de jouer pouvait réellement nous permettre de faire notre métier.
Nous avons proposé à Tomorrowland un festival virtuel. Ce qui devait être une ou deux scènes est devenu Pāpiliōnem : huit scènes, une centaine de DJ environ, une île entière rendue en temps réel. Nous ne sommes jamais revenus au pré-rendu.
Ce projet nous a permis de devenir un Unreal Engine Service Partner certifié pour la production virtuelle et nous a valu un Epic MegaGrant, que nous avons utilisé pour développer xLive, notre propre moteur de spectacle en temps réel.
Pour nous, le « métavers » n’a jamais été une question d’avatars et de terrains virtuels. Il s’agit de mondes qui existent comme des données vivantes plutôt que comme des vidéos finalisées. Le même monde peut devenir la scène principale d’un festival, une expérience VR, un plateau de diffusion ou un jumeau numérique. Vous le construisez une fois, puis vous pouvez le faire vivre n’importe où.
Parallèlement à l’aspect virtuel, vous travaillez également sur l’immersion visuelle à travers les événements live. Comment un tel projet se déroule-t-il ?
Tout commence généralement par une conversation, sans aucune spécification — un thème, une sensation, parfois même un seul mot. Cette année, à Tomorrowland, c’était « Consciencia » : six visages monumentaux, six émotions primaires.
À partir de là : concept et direction artistique, puis création d’un modèle 3D de la scène physique afin que chaque élément corresponde exactement à la structure réelle. Ensuite viennent des mois de construction de l’univers, avec des allers-retours constants avec l’équipe créative du client. Puis la prévisualisation en VR. Et enfin l’intégration — serveurs média, timecode, éclairage, lasers, pyrotechnie — et les répétitions sur site.
Et il y a ensuite une partie que les gens ont tendance à oublier : le spectacle n’est pas terminé lorsque le contenu l’est. Nos univers sont calculés en temps réel ; chaque soirée est donc performée et adaptée à chaque artiste et à chaque public.
Cette flexibilité constitue également notre police d’assurance.
Votre créativité semble ne connaître aucune limite, puisque vous proposez également de la conception de décors virtuels et des expériences d’art numérique. Comment ces différentes approches sont-elles complémentaires ?
Ce ne sont pas quatre activités différentes — ce sont quatre cadres autour d’un même savoir-faire. Tout ce que nous créons est un monde en temps réel ; ce qui change, c’est l’endroit depuis lequel vous le regardez.
Placez une caméra et un fond vert devant celui-ci et il devient un décor virtuel : nous avons créé le studio utilisé par la VRT pour les élections et les Jeux olympiques, où l’environnement entier peut changer à la volée.
Placez-le sur un mur et il devient de l’art numérique — avec Van Berge Henegouwen, nous avons lancé Immersia, qui transforme une pièce sur un yacht ou dans une maison en forêt, en ville ou en tableau animé, avec un son, un flux d’air et des parfums assortis.
Placez-le sur une scène principale et il devient un festival.
Les compétences se renforcent mutuellement. Un shader développé pour un studio de diffusion finit par être utilisé dans un spectacle à The Sphere ; une astuce d’éclairage née dans un festival finit dans le salon de quelqu’un. C’est précisément cette pollinisation croisée qui justifie le fait de conserver toutes ces compétences sous un même toit.
Quelle est votre vision du spectacle spectaculaire de demain ?
Je pense que l’ère de la lecture d’une vidéo finalisée est révolue. Le spectacle de demain sera réellement live : calculé sur le moment, différent chaque soir, et capable de réagir à l’artiste, au public et même à la météo.
Deuxièmement, l’écran cesse d’être un écran. À The Sphere, le lieu lui-même devient l’instrument : 16K sur un dôme à 180°, auxquels s’ajoutent les sensations haptiques dans les sièges, les parfums et les mouvements d’air. L’immersion n’est pas une question de résolution ; elle dépend du nombre de sens que vous êtes prêt à mobiliser.
Troisièmement — et c’est le point qui me tient le plus à cœur — la question de l’échelle est pratiquement résolue. N’importe qui disposant du budget nécessaire peut voir grand. Ce qui reste difficile — et ce qui distinguera les spectacles dont on se souvient de ceux que l’on oublie — c’est l’émotion.
Savoir quand faire silence. Quand maintenir une seule image. Quand laisser au public l’espace nécessaire pour ressentir quelque chose.
La technologie, l’IA comprise, doit s’intégrer au processus et accélérer les parties que personne n’aime faire. Elle ne doit pas être l’auteur.
Le public aura-t-il droit à un petit aperçu d’un projet qui sera bientôt lancé ?
Ce qui m’enthousiasme le plus n’est pas un spectacle en particulier — c’est xLive, notre moteur de spectacle en temps réel, qui va enfin être véritablement lancé dans le monde.
Jusqu’à présent, c’était notre arme secrète. C’est ce qui nous permet de faire vivre la scène principale de Tomorrowland en temps réel plutôt que de simplement la lire, et c’est ce qui a fait de UNITY la première production entièrement en temps réel au sein de The Sphere.
Dans les prochains temps, nous allons l’étendre bien au-delà de nos propres productions : salles en forme de dôme et lieux de la taille de The Sphere, studios de diffusion, installations immersives permanentes — afin que d’autres créateurs puissent performer leurs visuels plutôt que d’appuyer sur Play.
Parallèlement, nous développons l’infrastructure destinée à la prochaine génération de lieux de la taille de The Sphere et nous étendons Immersia des superyachts aux résidences et aux espaces privés.
Je ne peux pas encore en dire beaucoup plus, mais je peux vous dire ceci : plusieurs productions actuellement en préparation pour les prochaines années comptent parmi les projets les plus ambitieux que nous ayons jamais entrepris.
Gardez un œil sur nous.
Pour terminer, y a-t-il quelque chose que vous souhaiteriez ajouter à l’attention de nos lecteurs ?
Deux choses.
À celles et ceux qui débutent : ne courez pas après la technologie, courez après l’émotion. Les outils changent tous les dix-huit mois — la capacité à faire taire dix mille personnes au même instant, elle, ne change pas. Apprenez la musique, apprenez le rythme, apprenez à raconter une histoire. Le logiciel suivra.
Et pour tous les autres : venez vous tenir dans l’une de ces salles. Vous pouvez regarder notre travail sur un téléphone et trouver cela joli. Mais l’immersion n’est pas une vidéo — c’est votre vision périphérique qui disparaît, votre corps qui réagit avant même que votre cerveau ne le fasse. Cela ne survit pas à une capture d’écran.
Nous sommes un studio de trente-cinq personnes issu d’un petit pays et, cette année, nous avons réalisé des performances live à l’intérieur de The Sphere à Las Vegas.
Cela continue de m’émerveiller.
Alors : soyez ambitieux dans ce que vous créez. Il y a beaucoup plus d’espace là-dehors qu’on ne le pense.